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About time (2013) – Dir Richard Curtis

20 May

Cada día me encuentro con una persona nueva que nunca pensaría que me dedico en secreto a consentir a un fantasma en una tolva contándole sobre películas. De vez en cuando aparece una persona que se interesa en el bienestar del pobre fantasma y nos regala un aporte para la causa. En ésta ocasión la señorita Luludaino nos sorprende con éste grandioso aporte.

Sobre About time, por Luludaino.

Quién no ha pensado alguna vez: “Ojalá pudiera devolver el tiempo para no decir eso”, “Si tan sólo pudiera revivir todos los momentos vividos con ella”, “Ojalá pudiera regresar y no dejarla ir”. Esa es la premisa de About Time, la última película del director británico Richard Curtis, un experto en comedias románticas que se encargó de traernos clásicos como Cuatro bodas y un funeral, Realmente Amor y El Diario de Bridget Jones, personalmente una de mis películas favoritas ya que retrata de manera muy cómica pero real la presión que la sociedad ejerce sobre las mujeres a medida que vamos llegando a etapas avanzadas de nuestra vida solteras y sin haber alcanzado la “realización” personal. Esperen de mí muchas reseñas de comedias románticas, ya que a pesar que soy una amante de todo tipo de cine, también soy mujer y como a todas,  a veces me gusta creer en esas historias de amor imposibles con finales felices a pesar de todos los obstáculos, así la vida real no sea para nada así.

About Time cuenta la historia de Tim Lake, un joven tímido, poco atractivo y nada popular socialmente, cuyos problemas para conquistar mujeres y tener novia se compensan con el amor de una familia muy particular, compuesta por un tío loco y con problemas de memoria, una mamá estricta y poco expresiva sentimentalmente, una hermana loca de atar pero descrita por el mismo Tim como “la cosa más maravillosa del mundo” y un papá que lo es todo para él, un ex profesor inteligente, sincero y sabio, con un secreto que se convertirá en el hilo conductor de toda la película.

A sus 21 años, a Tim le es revelado por su padre que tiene la capacidad de viajar en el tiempo, así como la tiene él y todos los hombres de la familia. Nunca pueden viajar hacia el futuro, solamente hacia el pasado, y si llegasen a tener hijos, nunca podrían volver a viajar en el tiempo antes de haberlos tenido, ya que eso desencadenaría que cada vez que regresaran al presente su hijo sería diferente. Desde ese momento, Tim utilizará ésta habilidad para hacer con su vida personal lo que no había hecho antes, especialmente para tomar más riesgos y superar sus inseguridades con el único objetivo de encontrar el amor. Tendrá segundas, terceras y hasta cuartas oportunidades, y de ese modo vivirá situaciones que lo llevarán a conocer la desilusión, el desamor pero también la ilusión y el amor, representados en Mary, una norteamericana espontánea, divertida e intelectual, que se convertirá en el amor de la vida de Tim.

A pesar de no ser una película con un argumento poderoso, está llena de pequeños detalles y con eso logra transmitir un mensaje poderoso: que aunque muchos de nosotros quisiéramos tener la habilidad de viajar en el tiempo para corregir nuestros errores del pasado, es posible que un día nos demos cuenta que la magia no está en hacerlo, sino en vivir cada día como si fuera el último y aprender a disfrutar las pequeñas cosas que nos rodean, las personas que escogemos para que nos acompañen en el viaje y también las que no. Es una película con un relato simple, sin pretender nada innovador, pero refrescante y entretenida, que renueva desde una perspectiva optimista el valor de la familia.

Domhnall Gleeson en el papel protagónico logra convencer como el tímido y acomplejado Tim, interpretando un personaje que crece poderosamente a lo largo de la película y nos lleva a recorrer más de 10 años de su vida, siendo testigos de cómo la habilidad para viajar en el tiempo moldea su personalidad y lo ayuda a amar todos los días más y mejor a Mary, interpretada por Rachel McAdams, una de mis actrices favoritas y quien se ha convertido en un ícono de éste género desde su estupenda participación en The Notebook. McAdams logra darle al personaje de Mary los toques de inocencia y dulzura suficientes para hacerla la compañera perfecta de Tim.

Definitivamente los invito a que la vean, y aunque muchos puedan pensar que ésta película se queda corta en efectos especiales que muestren de una mejor manera los viajes en el tiempo, la verdad es que Curtis no está queriendo plantear una gran historia sobre viajes en el tiempo, sino que todos pensemos en el valor que verdaderamente le damos al tiempo, a las personas que nos rodean, y cómo debemos aprovechar cada minuto que tenemos como si fuera el último, porque si lo hacemos, no querríamos devolver el tiempo así tuviéramos la oportunidad de hacerlo.

LA BUENA, LA MALA, Y LA FEA

2 Mar

 La buena: El cine ha traído varias historias sobre el amor y la muerte, pero uno no encuentra con frecuencia nuevos enfoques para este tema. Michael Haneke rompe este modelo con un relato que se basa en el efecto del amor sobre la muerte y viceversa. Me refiero a su exitoso filme titulado Amour.

La película trata sobre una pareja de ancianos jubilados, Georges y Anne, profesores de música de profesión, que pasan por el desafío más grande que prueba la fortaleza de su vínculo de amor. Esto sucede cuando Anne sufre una apoplejía que la incapacita parcialmente, ocasionando que Georges asuma un nuevo rol y diferentes retos en la relación.

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Amour es una extraordinaria experiencia dramática que va más allá al común de filmes. Presenta la vejez de una manera que refuta el estereotipo cinematográfico de la edad, mostrando un aspecto real del final de la vida de las personas. Lo asevero por experiencia propia. Una historia que perdurará en la mente del espectador ya que al terminar la película uno ha sido testigo, reflexionado, y aprendido de aspectos del amor y la muerte que puede que no hayan pasado por su mente. La actuación de los veteranos actores franceses Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva es casi impecable.

En pocas palabras, Amour es la buena porque es una película inolvidable y única en su clase de dos horas de tormento (dramático) de la que, al final, el espectador probablemente no se arrepentirá.

La mala: aunque me encantaría escribir sobre cualquiera de Dago García, es The Last Stand protagonizada por Arnold Schwarzenegger.

Como he mencionado en anteriores publicaciones  soy un amante de las películas de acción, por ejemplo (así muchos me critiquen) soy fiel fan de la saga de Die Hard, y por ende de sus protagonistas como lo es el señor Schwarzenegger. El filme trata sobre un capo mexicano amante de la velocidad que es capturado por el FBI y que en camino a su juicio escapa gracias a su banda. Con los federales y FBI buscándolo no le queda otra salida que cruzar la frontera, una hazaña que la dificultan éstas entidades. El mejor camino para ello es usando una ruta por un pequeño pueblo fronterizo de Sommerton Junction. Sin embargo, él desconoce que el Sheriff del pueblo, un rudo inmigrante australiano con un peculiar grupo de subordinados, no permitirán que el malhechor se salga con las suyas.

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Es la mala porque no es el “regreso triunfal” de Schwarzenegger como muchos mencionaron, porque no es realmente innovador y muestra un Arnold bien acabado por los años, en su faceta de siempre que ya no le luce. Y no es que tenga algo contra el tipo, de hecho gracias a la tv local me he entretenido por años viendo innumerable veces Commando, Predator, Total recall, True Lies, entre otras. Me encanta la acción sin sentido, pero por alguna razón ésta película simplemente aburrió. Claro que tiene sus momentos, pero son tan cortos como los diálogos de Arnold. Al finalizar la película uno siente que la mitad fueron charlas en los comandos del FBI y esas organizaciones, lejos del foco actual que era la salida por la frontera. Además, los compañeros del Sheriff dejan mucho que desear.

Por Dios, sólo espero que este señor culmine The Expendables 3, la saga de Terminator y se dedique a disfrutar sus ganancias.

La fea: fue difícil de elegir. Tras el decepcionante detalle de “El Mandarín” (un crimen para los fanáticos del comic) estuve cerca de postular a Iron man 3, pero un re-make que vi por Mr. Diego hizo cambiar mi opinión. Evil Dead por Fede Alvarez es la fea en esta ocasión.

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Evil dead es la nueva versión de la película de culto The evil dead, de 1981, donde cinco amigos se esconden en una remota cabaña. Allí descubren un libro de los muertos y, sin querer, invocan a los demonios latentes en los bosques cercanos, los cuales poseen uno a uno a los jóvenes mientras los demás luchan por sobrevivir.

No es fea porque sea de horror, por algunas actuaciones regulares, o por el “demonio” en sí. The Evil Dead dirigida por Sam Raimi, es un filme destacado por generar horror y suspenso puro. Más allá del gore y los efectos de la época, lo que la llevó a ser apreciada y renombrada en su género fue la trama sobre la maldad, lo que un demonio haría, hecho tras hecho sin precedentes, y siempre a la expectativa de “¿qué carajos va a ocurrir ahora?”- Y así estaba bien, por allá en los 80’s.

La versión actual nos trae una historia con una base similar a la original decorada con los “maravillosos” efectos especiales actuales. No es una mala película, pero después de ver las dos versiones quedé descontento. La mejor manera de expresar mi decepción, es catalogándola como “Torture porn” que se define, de manera coloquial, como una clasificación a las películas de horror de Hollywood sin ninguna historia y llenas de gore morboso (como Hostel, por ejemplo). Cabe resaltar que Alvarez intentó mantener la esencia de la versión original y asumió el reto de enfrentarse al “prestigio” de ésta.

La recomiendo sólo/únicamente para “pasar el rato” y saltar un par de veces de la silla (gracias a un par de sustos baratos).

Malèna (2000) – Dir. Giuseppe Tornatore

16 Oct

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Hace un tiempo los granos de la tolva fueron robados por un ladrón internacional. Claramente no podíamos permitir  que los vendieran en el exterior y nos dejará sin nuestra anhelada provisión. Por ello lo empezamos a seguir por todo el mundo, como en atrápame sí puedes.

En aquella travesía, cuando seguía el rastro por toda la unión europea, tuve la oportunidad de conocer muchas culturas, expresiones, comidas, bailes y en especial chicas. Rubias, pelirrojas, pelo castaño con ojos claros azules, verdes, miel… hermosas euro-chicas libertinas por doquier (cual  paraíso para Barney Stinson o Charlie Harper). Pero de todos estos tipos de europeas una en particular me encantó, que digo me enamoró. Fue en Roma donde la vi; aquella mujer hermosa, de cabello negro y largo liso, piel tersa y labios rojos intenso, caminando en mi dirección por una estrecha calle peatonal con tal ritmo que su vestido de verano oscuro danzaba y deslumbraba a su paso. Iba feliz, tal vez enamorada, con una rosa roja que sostenía con sus dos manos contra su pecho. Mi reacción ante ésta belleza fue tal que me brillaron los ojos y me quedé con la boca abierta, o eso me imagino. Sólo sé que, coqueta, me regaló una sonrisa que nunca olvidaré.

Al sentirme tan ingenuo, impresionado y enamorado por aquella mujer, no pude dejar de identificarme con Renato, aquel niño de 13 años que, en medio de la declaración de guerra de Italia a África, la guerra greco-italiana y la segunda guerra mundial, tiene uno de sus mejores días cuando recibe su primera bicicleta y conoce a Maddalena Scordia, la mujer más bella de Castelcutò, una pequeña villa de Sicilia (Italia).

 

Fran Kapilla

Así inicia la historia de Renato con Maddalena (conocida en la villa como Malena), la joven de 30 años sola, casada con un militar en servicio en el extranjero, muy sola, envidiada por las mujeres del pueblo e idolatrada (o vista como objeto sexual) por los hombres.

Renato está totalmente obsesionado (o enamorado como un tonto) de ésta mujer al punto de seguirla cuanto puede por el pueblo, fantaseando con historias épicas donde se ganaría el amor de ella y una que otra pilatuna que surge por la llegada de la pubertad. Él ve a Malena a través de los años sufrir y probar su temple a raíz de su soledad y posterior dolor cuando se informa que su esposo ha muerto, los efectos de la calumnia, pobreza y las humillaciones de un pueblo machista, consumido por el cinismo y apariencias. A través de los ojos de Renato se encuentra una mujer amorosa y distinguida. El amor puro de este chico es lo que finalmente hace la diferencia en sus vidas.

El director Giuseppe Tornatore nos presenta este drama romántico que, con su apropiada dosis de humor (y a pesar de algunas escenas fuertes), logró el gran reconocimiento de filmes anteriores como Cinema Paradiso y The Legend of 1900. La película fue criticada por su representación de la sexualidad adolescente, así como la falta de diálogo, pero su banda sonora y su fotografía fueron elogiadas, siendo nominadas a los Oscar. La cámara es una melodía en movimiento continuo que se adapta a todas las situaciones y ritmo de la historia, desde un plano fijo a tomas siguiendo vehículos. Las hermosas imágenes de las calles estrechas, la playa, la plaza principal y el mercado se enriquecen con banda sonora de Ennio Morricone, meritoria a las nominaciones y premios recibidos como el premio nacional a la mejor música en Italia. La despampanante Monica Bellucci (Malena) y Giuseppe Sulfaro (Renato) hacen la pareja perfecta en sus roles de diva y niño precoz respectivamente.

Al finalizar encontrarán reconfortante ver paso de la niñez a la adolescencia y todo lo que esto conlleva en el entorno de la guerra y crecerán junto con el personaje. Los invito entonces a re-vivir (o conocer, para las mujeres)  la experiencia de la pubertad masculina de una manera jocosa, romántica y molto bella.

 

the only true love is unrequited love

PS: el misterio del ladrón será resuelto en otro post.

Director invitado: Hayao Miyazaki

11 Aug

En esta ocasión decidí no escribir sobre una película en particular sino acerca del creador de un universo lleno de mundos de fantasía con historias inimaginables. Les hablo de Hayao Miyazaki. Si no es amante del animé, no se sorprenda por no tener ni idea de quién es este personaje, pero seguramente han visto o escuchado de  alguna de sus creaciones. Este post es un nuevo intento por mostrarles a ustedes, queridos tres lectores, que el animé es más que “muñequitos” con ojos grandes en situaciones locas.

Qué tal perderse en un mundo de paisajes y escenarios tales que se sentirían caminando en las obras de Monet, Van Gogh y, por qué no, Dalí. O sumergirse en la mezcla perfecta de extraordinarias bandas sonoras y situaciones desde suspenso, felicidad, incertidumbre, curiosidad, hasta acción. Bueno, pues éste señor Miyazaki logra eso y mucho más a través de sus producciones.

hayao-miyazaki“Ver algo difícil de entender puede ser algo significativo”

En palabras de ilustradores profesionales Miyazaki es un monstruo, el nivel artístico de sus películas es increíble con un diseño único y original. Cada frame de sus películas está pensado como si fuese una fotografía. Es más, los conocedores hablan que es tan meticuloso que revisa cuadro por cuadro sus producciones otorgándole ese grado de precisión y perfección.

Miyazaki es director, animador, productor, escritor y artista de manga. Es bien conocido por su trabajo de los estudios Ghibli, estudios de animación fundados por él mismo y por su compañero Isao Takahata. De las 18 producciones (sin contar los cortos, videos musicales, comerciales y otros trabajos) las tres más renombradas son My Neighbour Totoro (Mi vecino Totoro), Princess Mononoke (La princesa Mononoke) y Spirited Away (El viaje de chihiro). Éste arduo trabajo de su estudio no ha pasado por alto. En el 2003, por ejemplo, su popular película Spirited Away fue el primer animé en ganar un premio de la academia (además de las cincuenta nominaciones de las cuales ganó alrededor de 40).

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Las películas de Miyazaki son únicas porque combinan un desplome de arte espectacular con historias inimaginables que tratan con cuestiones fundamentales y tradicionales, destacándose la relación entre el hombre, la naturaleza y el desarrollo de la tecnología. Sus películas presentan estas cuestiones con tal belleza y delicadeza que son accesibles a cualquier persona de cualquier edad o interés.

Uno de los detalles a resaltar en los trabajos de Miyazaki es la “ausencia” de maldad o un personaje con el rol de “malo”. Los personajes se encuentran en situaciones donde el bien y el mal viven juntos y deben aprender a sobrevivir, nunca se enfrentan a un personaje malvado como tal sino a una maldad potencial de diferentes clases. Precisamente esto hace que sus películas sean tan satisfactorias de ver. Muestran una lucha moral, no sólo de sus protagonistas, sino de todos los personajes, y al final cuando resuelven sus diferencias, todo el mundo es mejor por haber tenido la experiencia (incluidos nosotros).

Miyazaki  transmite a través de la fantasía una visión positiva del mundo y fe en la humanidad, que de alguna manera uno siente que es totalmente viable (aunque sólo sea por un rato). Es esta mezcla única de arte, animación y contenido atractivo lo que hace tan popular y adorado su estilo. Sus complejas y fuertes personajes femeninos, junto con la gran cantidad de creaciones místicas y profundas cuestiones a que se enfrentan, dan sus películas el perfecto equilibrio de imaginación y realismo.

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El trabajo de Miyazaki no ha cesado. Recientemente se estrenó en Japón la película The Wind Rises, donde los espectadores podremos ver una historia un poco lejos de los mundos fantasiosos y con criaturas de otro mundo, pero manejando las bases de seguir sueños y descubrir el amor por algo. Eligió para éste trabajo un periodo difícil de Japón (periodo Showa) porque, además de la pobreza, las enfermedades, guerra y desastres maturales, en aquellos tiempos la gente no tenía más remedio que “vivir los más sinceramente posible, sin importar dónde se encuentren”.

En resumen, recomiendo sus trabajos por lograr la mezcla perfecta de hermosa animación, redacción de guiones sin igualyemoción abrumadora.

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LA BUENA, LA MALA, Y LA FEA (JULIO)

28 Jul

En época de vacaciones (en especial para estudiantes y desempleados) los lanzamientos de “verano” llenan las salas de cine. En esta oportunidad hablaré de tres películas recién salidas del horno.

La buena:  Monstruos gigantescos, robots monumentales piloteados, el mundo en peligro por seres de otra dimensión… No, no estoy hablando de los Power Rangers o Evangelion; es Pacific Rim (Titanes del pacífico), la nueva producción de Guillermo del Toro que se estrenó el pasado fin de semana. Con una historia que aparentaría venir de un loco fanático de Kaiju, como Jozerep, Pacific Rim nos relata cómo la humanidad contrarresta un nuevo peligro proveniente de las profundidades del océano, abominaciones tipo Godzilla que emergen para asechar y destruir todo a su paso. Tras usar todo tipo de armas habidas y por haber contra estos parientes de las TMNT, la solución obvia (¿?) es la creación de robots para luchar cuerpo a cuerpo contra ellos. 

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No debe ser un amante de la ciencia ficción ni de los kaiju para emocionarle ver este filme. En primer lugar la película tiene el sello de del Toro junto con un despliegue de tecnología y experiencia de Warner Bros. y Legendary Pictures. Segundo, es un guión original, cosa que no se ve a menudo en el género. Por último ¡son robots gigantescos peleando contra Kaijus! ¿Necesita más razones? Debo resaltar algo que personalmente me gustó y es el diseño de los robots. Me refiero a que tienen un toque especial al manejar una imagen algo arcaica, con movimientos lentos (pero certeros), lejos de lo que se esperaría encontrar en un futuro con un avance tecnológico/digital alto.

Es la buena porque retoma varios temas del sci-fi que han sido rezagados por cosas como zombies y vampiros de la comunidad LGBT. No será el éxito de temporada ni resaltarán las actuaciones, pero vale la pena ver el despliegue de tecnología e innovación.

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La mala viene de la mano del señor Adam Sandler. En este punto varios me odiarán porque les contaré que aborrezco las películas de Sandler. No niego que me han sacado una que otra risa un domingo por la tarde en los canales locales, pero por favor no acepto que digan que Click es una de las mejores películas que han visto (como muchos que conozco han dicho). Dejando mi berrinche a un lado, Grown Ups 2 retoma la historia de varios compañeros de colegio que luego de varios años se reencuentran viviendo varias situaciones divertidas y en algún punto dramáticas que llevan a entender cosas sobre la vida, la importancia de la familia y los amigos, y esas bobadas tipo Sandler. Este señor hace el mismo papel en cada bendita película. Creo que nunca superó su papel en Waterboy

La fea no es “Curse of Chucky” (por ahora). Del mismo creador de “El paseo”, “El paseo 2”, “Mi gente linda, mi gente bella”, y otros adefesios llega a nuestras distinguidas salas de cine la nueva obra maestra que revoluciona los niveles de perversidad (casi tanto como Muertos de susto). Harold Trompetero la sacó del estadio juntando a Andrés López en su papel habitual (el mismo desde hace más de 10 años), Jimmy Vásquez, y la paisa Natalia Durán en un proyecto no apto para humanos titulado “De rolling por Colombia”.

De-Rolling-por-colombia-estreno-cine-moviecity-01No odio el cine colombiano, pero la verdad estoy cansado de estas películas ridículas. Ya es normal que cada vez que me nombren alguno de estos filmes de mala muerte  haga alguna expresión de espanto.

Skyfall – Sam Mendes (2012)

30 Jan

Para nuestra sorpresa y agrado aparecen más fanáticos interesados en hablarle un poco sobre cine al Fantasma. En esta ocasión, por una de esas casualidades del destino, apareció Mauroruiz con un comentario el cual no tuvimos que leerlo dos veces para publicarlo. Con otro poco de suerte tendremos más aportes con su firma.

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Skyfall: “El Bond Clásico, El Bond de la infancia”
Por Mauroruiz

Bond es un símbolo de lo clásico, lo masculino, un ejemplo de caballerosidad, inteligencia y acción dentro de un traje perfectamente cortado, es increíble pensar que ya son 50 años de la franquicia de películas del 007, lo cual hace de James Bond una de las series más emblemáticas del mundo del cine, y un personaje que ha convivido con abuelos, padres, hijos y nietos.  

Yo soy de la generación del James Bond interpretado por Pierce Brosnan, pero me acuerdo de ver junto a mis padres los fines de semana las películas de Sean Connery, en mi opinión ambos actores encarnaban a un Bond clásico, el cual bucea, se infiltra en un barco para una fiesta secreta, se quita el traje de neopreno y aparece en un esmoquin perfectamente peinado y seco, para luego seducir a la chica bond.

Para mí, un seguidor fiel del 007 fue un gran suceso tener memoria de un cambio de actor, y cuando vi en el 2006  a Daniel Craig como el nuevo James Bond en la nueva película de Casino Royale sentí que era un actor que no daba la talla a mis expectativas, luego de darle la segunda oportunidad en Quantum of Solace pensé que el James Bond de mi infancia había muerto, volviendo al 007 un simple asesino lleno de golpes, heridas, rebelde, sin la sagacidad de comentarios de un caballero como Sean Connery. Básicamente volvieron a Bond  un agente secreto “americano” quitándole el carisma británico.

Mi experiencia con Skyfall fue en el cine con mi familia, la película inicia con una persecución por una base de datos con todos los agentes encubiertos del MI6 en el mundo, en la persecución Bond recibe un balazo de fuego amigo y cae al agua dando inicio al tema “Skyfall” de Adele, al ritmo de sombras psicodélicas y sugestivas usuales en las películas del 007. El tema musical encaja perfectamente con la película y transporta al espectador a los inicios de James Bond con la hermosa voz de Adele.

Uno de los puntos fuertes de la Película es el villano de turno Raúl Silva, interpretado por Javier Bardem, la psicología de Silva es increíble y representa a la perfección un villano sediento de venganza, emocional, inteligente,  deforme y con años de preparación de un plan maquiavélico, que piensa en Bond como un igual, incluso un potencial aliado, y lo más importante: este villano puede conectarse con el público, es una antónimo del 007 que está a la par del mismo.

Dentro de la película se maneja una contradicción, entre la tecnología y lo clásico, en un guion muy bien estructurado, con una mezcla perfecta entre acción, y dialogo, usando recursos de forma inteligente, por ejemplo el pasado de Bond es fundamental para la película pero no es un tema principal, es algo tácito, que avanza a su ritmo de forma simple y al final de la película crea el ambiente perfecto para el desenlace. 

Recomiendo totalmente Skyfall, siendo una película de acción excelente, para los amantes del 007 es un gran espectáculo, que seguramente entrara entre sus favoritas, además la película tiene una gran importancia para la saga del 007, la cual radica en la posibilidad de un reboot en un futuro, esta película consigue enlazar las antiguas generaciones de espectadores de James Bond con las futuras. Mostrando que a Bond le quedan años en la pantalla grande y en el corazón de sus seguidores. 

Blade Runner – Ridley Scott (1982)

29 Dec

La pantalla grande y chica nos presentan constantemente estereotipos de personajes. Desde los salvavidas como Mitch Buchannon, las rubias como Reese Witherspoon (no diré nada más acá), los matones mexicanos, cowboys, entre otros. Pero hay un tipo de personaje en especial que ha llamado la atención del público y a partir de su popularidad se creó un género; me refiero a los detectives y policías.

Los policías suelen ser esos torpes comedores de donas que siempre en las persecuciones terminan volcando sus autos, o topándose con un camión que les cierra el paso, y nunca aciertan un disparo. Pero siempre esta aquel individuo que sobresale entre todos, ése que no le gusta el sistema, que es muy violento y/o tienen antecedentes, por ello es despedido (o renuncia) convirtiéndose en detective o investigador privado. Él, un individuo renegado, siempre vuelve a la acción ya sea por asuntos personales, o simplemente porque es el mejor y lo necesitan. Ese es mi personaje favorito.

Pero qué mejor para mí que traer a la pantalla grande a un personaje así en un ambiente totalmente diferente, algo fantasioso pero sin dejar un trasfondo realista y que nos competa en nuestra carrera por el progreso y desarrollo. Qué mejor que un detective retirado en el año 2019 conocido como Deckard , the Blade Runner.

La historia se desarrolla en la versión futurista de Los Ángeles donde la policía contacta al ex detective Deckard (Harrison Ford) para atrapar a cuatro replicantes (reploids o androides) de la serie Nexus 6. Estos androides especiales son superiores en fuerza, agilidad y al menos igual en inteligencia a los humanos; fueron utilizados como esclavos en  exploraciones y colonizaciones peligrosas en otros planetas. Tras un sangriento motín de un grupo de combate de estos replicantes, los declararon bajo la pena de muerte, o como lo llamaban retiro. Deckard perteneció al grupo que se encargó de ello en el pasado. Los integrantes tenían el nombre de Blade Runner.

Los replicantes tienen dos características más que los definen: primero tienen implantados recuerdos artificiales para que crean tener una vida y segundo tienen un tiempo de duración de 4 años. El grupo de replicantes rebeldes en su afán por buscar como extender su existencia, se dan como misión buscar a su creador en la corporación Tyrell, de donde provienen.

Deckard acepta la misión, de mala gana, de retirar a este grupo de replicantes. En su investigación conoce a Rachael (Sean Young), una asistente del jefe de Tyrell Corporation. Una extraña curiosidad y por qué no atracción surge entre estos dos personajes a través de sus intereses personales. La historia se desarrolla así entre la carrera de los replicantes por encontrar información sobre la longevidad de su existencia y la de Deckard por cumplir con su trabajo.

El ambiente futurista del filme no es una simple recreación de lo que era la visión del nuevo milenio en  los 70s, es un concepto que yo consideraría diferente. Este mundo imaginado por Ridley no es más que un vistazo a lo que significa cyberpunk. Cyberpunk es moda, alta tecnología, inteligencia artificial, redes informáticas inimaginables, pero más que todo es la lucha por no perder nuestra humanidad ante todo eso.

Esta es a grandes rasgos la idea en la que se basan grandes obras literarias del género, especialmente en los 80-90’s, como la de Philip K. Dick “Do Androids Dream of Electric Sheep?” de la cual los guionistas Hampton Fancher y David Peoples junto a la magia de Ridley se basan para crear el ambiente futurista de Blade Runner.

El futuro realizado por Ridley exhibe un mundo misterioso, de clima extraño: mañanas con cielo naranja como en un verano perpetuo y de noche con lluvia y neblina. Torres y demás edificaciones luminosas cubren los suelos, sobresaliendo estructuras imponentes que simulan pirámides. Y claro está la alta tecnología en comunicaciones y transporte.

Esta película muestra el género de ciencia ficción en todo su esplendor envolviendo temas desde la filosofía moral a través de las implicaciones del creciente dominio humano de la ingeniería genética, la tecnología sobre el medio ambiente y la sociedad, el control corporativo y policiaco, entre otros.

Blade Runner contiene un enriquecido nivel dramático, a pesar de la apariencia de película de acción.  La narración en primera persona, la mujer seductora y encantadora pero fatal y perspectivas cuestionables sobre moralidad del protagonista, extendido hasta incluso a debatir la humanidad de éste, usando una oscura y sombría cinematografía reflejan la influencia del cine negro.

Como adepto a Ridley, fanático a las películas de detectives y de la onda cyberpunk me veo obligado a calificarla como excelente. En este punto me gustaría motivar a buscar y ver esta película a nuestros 3 fans para comentar al respecto para debatir al respecto y desenmarañar los múltiples misterios y simbolismos que trae consigo este filme.