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Prometheus (2012) dir: Ridley Scott

7 Jun

Después de 25 años el exitoso director Ridley Scott, conocido por producciones como Alien, Blade Runner, Gladiator o Hannibal, retoma sus inicios con Prometheus. Para esta producción Scott reaviva la atmosfera de Alien, recreando el escenario en el que se desarrollan las primeras dos partes de esa saga.

En Alien (1979) los siete trabajadores de la nave Nostromo llegan a un planeta desconocido siguiendo una señal al parecer de S.O.S. Allí encuentran una nave extraterrestre gigantesca en la cual solamente quedan el esqueleto de un gigantesco extraterrestre (con algunos toques humanos) sentado sobre lo que parece ser la sala de control de esta y claro está los huevecillos de otra criatura que termina convirtiéndose en el octavo pasajero de la nave Nostromo.

En esta ocasión un grupo de exploradores se aventuran a los confines del universo en el transporte espacial Prometeo para buscar indicios de la llave que abre el misterio de la humanidad. “La Compañía“, que auspicia el viaje, envía además un grupo especializado para asegurar que se lleva acabo la tarea (a su modo). Pero en el proceso ponen en peligro la existencia futura de la misma y se enfrentan a horrores inimaginables.

Prometheus se basa principalmente en la creación de la humanidad y la vida en la Tierra.  Esta película promete ser mucho más que un filme de ciencia ficción y horror.  Scott toca en muchos aspectos de la vida y la existencia.  Podemos esperar algún tipo de debate filosófico entre creacionismo y evolucionismo, claro está ambientado bajo el intenso suspenso y tensión que caracterizan sus filmes.

Se destaca también una conexión notable entre Alien y Prometheus: “La compañía” que es la responsable de ambas expediciones. Sin embargo Scott enfatiza que no debe ser vista como una precuela de Alien sino como “stand-alone” film. Esta no es una película que busca fuertemente vincularse a la secuela.

Una película tanto para fans como para nuevos espectadores. Prometheus  se estrena el 08 de junio en USA, y el 15 de junio en Colombia.

Esperemos que sea una obra maestra como sus anteriores trabajos.

FLAGS OF OUR FATHERS (2006) Dir: Clint Eastwood

21 Jul

Las películas sobre guerra son abundantes pues son el caldo de cultivo propicio para llevar a los personajes hasta los límites de su naturaleza humana. En Hollywood el tema ha sido recurrente y parece una fuente inagotable para producir plata. Dentro de ese mar de películas de todo el mundo y de todo tipo de presupuestos metí la mano y saqué Flags of our Fathers, película que me encanta y que a pesar de haber sido dirigida por Clint Eastwood no es muy reconocida dentro de los círculos en los que me desenvuelvo.

Siempre me emociona ver una buena película de guerra más que a muchas personas por el hecho de que mi papá sea oficial retirado de un ejército que no ha dejado de combatir por décadas, el colombiano. Aunque suene exagerado incluso para mí, nací y crecí en medio de la guerra y por eso creo  poder distinguir entre una buena crónica de un conflicto bélico de una mala (aunque tal vez me esté dando muchas ínfulas, pero mejor sigamos). En este caso digo sin dudarlo que esta es buena. Flags of our Fathers es la historia alrededor de la famosa foto de seis soldados gringos izando la bandera de la unión en Iwo Jima, durante la Segunda Guerra Mundial, a partir de los relatos de los veteranos que sobrevivieron a esos días. Lo interesante es que la película no es una apología de una de las más grandes victorias de ese ejército sino que es un grito de protesta ante las falsas concepciones de heroísmo y grandeza que acompañan normalmente a este tipo de relatos. A lo largo del film se van descubriendo los personajes que en su época fueron magnificados como estrategia publicitaria de la guerra pero que simplemente eran jóvenes comunes y corrientes a los que les tocó vivir esa situación extrema y que preferirían haber evitado ese episodio antes de ser llamados héroes, un calificativo que resulta totalmente vacío en términos prácticos. Clint Eastwood  demuestra que es un viejo zorro y sabe hacer su oficio como pocos y utiliza todas las herramientas de la industria como son una impecable fotografía.

Hay dos escenas que son muy dicientes de la película justamente al inicio y al final. La primera es una reflexión de uno de los veteranos en la que dice:

 “Cualquier imbécil cree que sabe lo que es la guerra. En especial, los que nunca han estado en una. Nos gusta simplificar las cosas: el bien y el mal, héroes y villanos. Siempre abundan de las dos cosas. Casi nunca son lo que nosotros pensamos que son.”

Es precisamente esa visión la que me atrae tanto de esta película, ese intento por alejarse de ver las cosas en blanco y negro, tratatndo de explorar toda la gama de colores que hay en medio. La segunda escena de la que hablé es la escena final de la cual no adelanto nada porque no quiero quitarle emoción a la persona que decida ver la película, sólo digo que después de muchos minutos de guerra y decepción, Clint Eastwood termina el relato mostrándonos lo simple y linda que es la vida aun en los peores momentos.

Definitivamente Flags of our Fathers está dentro de mis películas preferidas, pues me hace pensar profundamente en muchas cosas pero sobre todo recuerdo mucho a todos las personas del ejército que han rodeado mi vida y que pueden haber visto y hecho cosas inimaginables pero nunca dejarán de ser personas valiosas, no por matar guerrilleros sino simplemente por ser humanos capaces de amar la vida y sobre todo a sus familias.

Termino este comentario diciendo que la maestría de Clint Eastwood es tanta que no se contentó con hacer esta película sino que además hizo paralelamente una película que relata la batalla por Iwo Jima desde la perspectiva del ejército japonés: Letters form Iwo Jima. Esta merece un capítulo aparte que espero escribir algún día ya que entre las dos forman una de las mejores obras de la historia.


Winter’s Bone (2010) Dir. Debra Granik

24 Jun

Finalmente llegó al país Winter’s Bone (Lazos de sangre), una de las películas mejor reseñadas en EEUU el año pasado. Su éxito la llevó a ser nominada a dos de los premios más importantes de la Academia como son el de mejor actriz y el de mejor película además de ganar todo en el festival de Sundance. Fui a verla el miércoles y recomiendo que la metan dentro de su lista de películas para ver en vacaciones.

Winter’s Bone tiene como protagonista a una adolescente llamada Ree (Jennifer Lawrence, a quienes muchos deben tener referenciada como Mystique en X-Men First: Class) que además de sobrellevar la ardua vida de cualquier habitante de la apartada región de las montañas Ozark (Missouri) tiene que velar por sus dos hermanos menores y su madre que está loca. La película cuenta el intento desesperado de Ree por encontrar a su padre que para salir de la cárcel, en la que se encontraba por cocinar crack, pagó una fianza dejando como garantía la casa de la familia la cual será embargada si éste no aparece en el término de unos cuantos días. Lo que para Ree es la búsqueda de su padre para el espectador es el descubrimiento de un mundo nuevo conformado por un hostil bosque habitado por un clan de personas que viven de la cacería y la producción de narcóticos. Lo cierto es que buscar a este señor no es una tarea fácil para una adolescente pues eso implica invadir la privacidad de sus familiares y vecinos, algo inaceptable bajo la “ley” de la montaña en donde imperan las drogas y la violencia. Sin embargo Ree no tiene otra opción que asumir el reto.

Realmente el trabajo de Debra Granik, co-escritora y directora, es sobresaliente pues es capaz de construir toda una atmósfera propia de la montaña y de hacer entender un intrincado problema social de una manera convincente. Cada escena es muy diciente y va poniendo un ladrillo para lo que termina siendo una estructura muy sólida. Ver esta película fue para mí ponerme por unos minutos en los zapatos de Ree y sentir el frío del bosque. Además, los actores principales fueron capaces de crear personajes totalemente humanos. Jennifer Lawrence, con una interpretación muy fuerte y fría para su edad deja vislumbrar un gran futuro. En el reparto se pueden destacar los papeles del tío Teardrop y de la esposa del jefe de la “tribu”, quienes le colaboraron inmensamente a Granik. Según mi gusto personal, lo que le falta a la película es un poco más de música, aunque es cierto que las pocas canciones que hay sirven para expresar un montón de sentimientos. Incluso una de las escenas que más me llamó la atención se centra en un banjo que a pesar de que lo intentan nadie puede tocar acertadamente, una forma muy original de utilizar la música sin que esta aparezca.

Winter’s Bone, una película auténtica con un magnífico guión, buenas actuaciones y un gran trabajo de dirección. Creo que esos son los elementos de los que se compone una buena película y definitivamente recomiendo ir a verla y por un rato explorar y descubrir los secretos  de un lugar perdido en Missouri.

You Will Meet a Tall Dark Stranger (2010) Dir: Woody Allen

19 Jun

Cuando los integrantes de El Fantasma de la Tolva decidimos crear una nueva sección dedicada a películas que se puedan encontrar en la cartelera de los teatros colombianos, casi caímos en la trampa de hablar sobre lo mismo que habla todo el mundo. Resulta que por esta época de vacaciones llegan al país las películas más esperadas por el público en general como son la cuarta parte de Piratas del Caribe o la quinta parte de Rápido y Furioso, esta última ambientada en Brasil y con Don Omar como estrella invitada. También proliferan las historias de súper-héroes salidos de comics como Thor o Captain America. Fue así como decidí en una tarde de martes ir a ver X-Men First Class animado por lo buenos comentarios que recibí de varias personas. El resultado fue el mismo de casi siempre, una película al mejor estilo de Hollywood de la cual todo el mundo habla pero que a mí está muy lejos de llenarme. Después de verla me di cuenta de que tampoco vale la pena hacer un post hablando sobre por qué no me gustan esas películas, pues la verdad eso es lo que haría un crítico cualquiera. Prefiero aprovechar este espacio para hablar sobre películas que no tienen mucha difusión mediática y que me inspiran un poco más para escribir. Por eso fue como una bendición dentro de todo este torbellino mediático de Hollywood poder ir a ver la película de Woody Allen que se está proyectando por estos días en Bogotá: You Will Meet a Tall Dark Stranger.

Hablar sobre Woody Allen es difícil porque aquellos que lo defienden, normalmente, son seudo-intelectuales que aburren a cualquiera con su discurso y aquellos que lo desprecian son personas tan inteligentes como mi querida hermana. Yo, con lo poco que he visto sobre este director debo decir que siempre hay algo bueno en sus trabajos y dentro de su sátira siempre hay más de una verdad oculta que me hace reír sobre nuestra graciosa condición humana. You Will Meet a Tall Dark Stranger puede que no le marque la vida a nadie pero es una buena historia que ilustra cómicamente lo que son las relaciones interpersonales.El reparto de la película está lleno de actores consagrados como Naomi Watts, Anthony Hopkins, Gemma Jones, Josh Brolin y Antonio Banderas que lo hacen con mucho profesionalismo.

La historia comienza cuando Helena (Jones) decide recurrir a una adivina para calmar el dolor que le causó su divorcio de Alfie (Hopkins). Este último es un viejo con delirio de juventud. Ellos tienen una hija llamada Sally (Watts) que está casada con Roy (Brolin), un médico que decidió convertirse en escritor. Resulta que Roy tan solo ha escrito una novela que tuvo mediano éxito y después de eso no ha sido capaz de acabar ninguna otra obra y en la práctica es un desempleado. Por tal razón Sally, una mujer estudiada y muy culta, se ve obligada a trabajar de mandadera en una galería de arte y además tiene  que pedirle a Helena para que le ayude con la renta.  A este cuadro familiar, Allen decide meterle picante con una ‘actriz’ joven por la que se enloquece Alfie, una vecina que se convierte en el deseo de Roy y el jefe de Sally que resulta ser encantador. Todas estas historias se van desarrollando a medida que Helena va desprendiéndose poco a poco de la realidad tomando whisky y oyendo la carreta de la adivina quien le augura la aparición de un extraño hombre oscuro. Al final todos enredan a más no poder sus vidas mientras esta vieja encuentra el mejor camino en medio de la locura.

La narración tiene el sello de Allen quien es recurrente tanto en la ambientación como con la manera de abordar los noviazgos, infidelidades y personajes frustrados. Por esta razón, aquel que haya visto alguna otra película de este director simplemente sentirá que está viendo más de lo mismo, que para sus detractores es una pendejada y para sus defensores es un chiste muy bueno. Cada quien tiene su opinión y a mí los giros de la trama que a primera vista parecen ridículos me parecen una gran caricatura de la condición humana y me agradan. En medio de su extensa filmografía que debe superar las 40 películas, Woody Allen ha hecho clásicos como Manhattan y Match Point y otros trabajos menores, como este que reseño ahora, pero creo que de todos se puede sacar un buen apunte. En este caso la moraleja es que no hay que estar loco para tirarse la vida y que aquellos a los que creemos locos resultan siendo los más sabios.

Después de tanta habladuría creo que me parezco a los seudo-intelectuales que desprecié hace algunos párrafos, pero como ya lo mencioné es difícil hablar de Woody Allen. De todas formas estoy feliz de haber reseñado Conocerás al Hombre de tus Sueños (como se llama la película en español) y no X-Men.

SOUL KITCHEN (2009) Dir: Fatih Akin

24 Apr

Afiche de Soul Kitchen

Fatih Akin es uno de los directores que más me ha marcado en la vida. Tanto es así que la primera película que apareció reseñada en este blog fue GEGEN DIE WAND y creo que no pude haber escogido mejor. Hoy vuelvo a hablar sobre este director turco-alemán gracias al arribo a los teatros colombianos de SOUL KITCHEN, su más reciente trabajo. La verdad es que fue demasiada la espera ya que el estreno de este film fue en septiembre de 2009 en el Festival de Venecia y solo desde el pasado 15 de abril podemos disfrutarla en las salas nacionales. De hecho, Cine Colombia había anunciado su estreno para la última semana de enero y por alguna extraña razón (trajeron todas las películas nominadas a los premios Oscar que no habían estrenado a lo largo del año) terminaron aplazándolo hasta ahora. Lo importante es que finalmente el jueves pude ir a verla y lo disfruté.

Es necesario aclarar que, a diferencia de trabajos anteriores realizados por Akin como GEGEN DIE WAND o AUF DER ANDEREN SEITE, SOUL KITCHEN es una película relajada cuyo objetivo no es ser muy profunda sino simplemente divertida. Por esta razón no encontramos temas recurrentes en la obra de este director como son los conflictos de los turcos en Alemania o las muertes trágicas e inesperadas. En esta se relata la historia de Zinos (Adam Bousdoukos), un joven alemán de ascendencia griega, y una serie de situaciones que surgen al rededor de su restaurante (Soul Kitchen) en Hamburgo. Por un lado, la novia de él decide irse a China por motivos de trabajo y lo deja perdidamente enamorado, siendo el restaurante el único motivo para quedarse. Al mismo tiempo convergen en el restaurante su hermano convicto, un amigo de la infancia que se obsesiona con el lote y un chef gitano (Birol Ünel). Además, Zinos al tratar de mover una máquina lavaplatos se causa una hernia discal. Toda esta situación lleva a un vuelco total en la vida de Soul Kitchen, que de la noche a la mañana deja de ser un lugar de mala muerte para convertirse en el centro de una comedia.

SOUL KITCHEN es una película de humor ambientada en la multicultural Alemania de nuestros días. Al ser una obra de Akin no se puede alejar del realismo de la sociedad alemana que él sabe plasmar tan bien pero el centro de todo son unas situaciones cómicas que son universales para cualquier persona sin importar su color o clase. Se muestra a Zinos haciendo pendejadas por culpa de una mujer, a una intelectual enamorada del más vulgar de los ladrones, a un chef indignado porque un comensal le pide un gazpacho caliente y una fiesta muy caliente gracias a un ingrediente secreto en la comida. Situaciones que parecen poco trascendentales pero que son las que le dan gracia a la vida.

La parte más interesante de la película es la ambientación musical. La mezcla de reggae, funk, punk, soul y folklore griego es un deleite. La verdad es que la banda sonora me da en toda la vena del gusto y apenas pude me conseguí todas las canciones. También es interesante encontrar en la película detalles como un afiche de The Roots o un ringtone de Zapp & Roger. Definitivamente no puedo estar más conectado con SOUL KITCHEN en ese sentido.

Si les gusta Kool & the Gang, Louis Armstrong o Mongo Santamaria y quieren reírse un rato con “alta cocina, música, amor y sexo” tienen que ir a ver SOUL KITCHEN antes de que la saquen de las salas. El culto hacia Fatih Akin sigue creciendo de mi parte y espero que este blog ayude a difundir su trabajo.

OFFICE SPACE (1999) DIR: MIKE JUDGE

30 Jan

Para esta serie sobre lo cotidiano, antes de IKIRU o VIDAS CONTADAS, los autores de este blog pensamos en OFFICE SPACE y por eso hemos decidido acabar este ciclo (algún día podremos retomarlo) con este post especial. Es especial porque en su realización intervinimos wilfo, mrdiego y jozerep y porque además viene acompañado por una serie de regalos para nuestros lectores.

OFFICE SPACE es una obra maestra del director Mike Judge, conocido por ser el creador de la afamada serie BEAVIS AND BUTTHEAD, en la que se aborda la cotidianidad de una manera cómica. La historia gira en torno a Peter Gibbons (Ron Livingston), un ingeniero de sistemas que llega a concluir que desde que empezó a trabajar cada día de su vida ha sido peor que el día anterior. Esto es ilustrado brillantemente con escenas de la cotidianidad en las que se puede ver a Peter en un trancón, en su cubículo y en su pequeña casa. La película no sería especial sin toda la serie de personajes que rodean a este ingeniero entre los que se destacan sus amigos Samir y Michael, la mesera Joanna (Jennifer Aniston) y Milton, un extraño compañero de oficina. Todos ellos van a trabajar totalmente disconformes con lo que hacen. Pero todo cambia en el momento en que Peter va a donde un hipnoterapeuta ocupacional que lo hace entrar en un trance de relajación. Antes de que él pueda salir de este trance, el hipnoterpeuta muere dejando al protagonista en un estado de total tranquilidad en el que nada lo puede alterar.

Breves comentarios sobre la película de los autores del blog

jozerep:

OFFICE SPACE me gusta de principio a fin. Si me pusiera a contar todo lo que me gusta de esta película terminaría contandola toda y esa no es la idea. Me limito a decir que me siento totalmente identificado con los personajes. Tal y como Peter dentro de poco seré ingeniero (menos mal no de sistemas). Igual que Michael me la paso oyendo rap. A cada rato me abordan las inseguridaes de Samir. Amo la serie Kung Fu de la misma manera que lo hace Joanna.Yo haría lo mismo que el vecino de Peter si tuviera una millón de dólares. Pocas películas me han marcado tanto.

wilfo:

Esta película es un buen ejemplo de lo COTIDIANO. Me encantan las escenas que muestran esas cosas rutinarias que nos sacan de quicio y concuerdo con jozerep en sentirme identificado con los personajes. OFFICE SPACE refleja algunas cosas que quiero hacer como estar en un estado permanente de relajación y tranquilidad total en el que nada me importe y haga lo que quiera, robar un banco como en Superman 3, destruir con un bate algo que me estrese diariamente y decirle ‘fuck you’ a una que otra persona.

Mrdiego:

Si nos detenemos por un momento del dia a ver todo lo que sucede en nuestro entorno dejando de pensar en el futuro podremos caer en cuenta de que no es necesario entrar en un estado de hipnosis para poder dejar  de lado todas  las innecesarias preocupaciones. Estamos las mitad de nuestras vidas durmiendo y la otra mitad intentando encontrar un porvenir. Esta película me mostró que joder todo no siempre es un error.  Además de todo lo  ya nombrado, Office Space es una de las razones por las cuales este blog existe (era necesario homenajearla de forma escrita) . Es difícil encontrar una película que una a tres personas de personalidades y gustos tan diferentes.


 

Nuestra obsesión con esta película llega al punto de compartir con ustedes material adicional como: wallpapers, screensavers y un juego.

WALLPAPERS

JUEGO

SCREENSAVERS

Descarga aquí

IKIRU (1952) Dir. Akira Kurosawa

10 Jan

Empieza el año y tanto el fantasma como nosotros volvemos a la rutina de nuestras existencias. Hay que aprovechar este momento, en el que todos nos proponemos metas para el año, y preguntarnos si de verdad vale la pena seguir el camino que llevamos. Por eso hemos decidido empezar el año con una serie de comentarios, intitulada “Cotidiano”, sobre películas que se dedican a mostrarnos la rutina y sus implicaciones en nuestras pequeñas vidas. La película que escogí para este ciclo es un verdadero clásico que tiene más de cincuenta años y sigue vigente. IKIRU es una obra maestra del gran Akira Kurosawa, que logra con su cine plantear grandes preguntas sobre nuestras propias vidas.

 

Manuel Cabral y el escritor de Ikiru. ¿Son la misma persona?

IKIRU gira en torno al señor Watanabe (Takashi Shimura) que es un empleado público con más de treinta años de servicio  al cual se le diagnostica cáncer de estómago. En esa época, ese diagnóstico equivalía a una sentencia de muerte y este señor no podría vivir más allá de un año. Es en ese momento de enfrentarse a la muerte en el que Watanabe se da cuenta de que desde la muerte de su esposa no ha sido más que un muerto en vida, enterrado en su empleo burocrático con la excusa de tener que responder por Mitsuo, su hijo. En medio de la frustración y de los recuerdos este personaje tiene dos encuentros importantes. El primero es con un escritor bohemio interpretado por un actor que a mí me hace recordar al difunto Manuel Cabral.Este escritor trata de mostrarle los placeres de la vida y lo lleva a una noche de excesos llena de música, juego, alcohol y mujeres. En su afán por hacer vivir al agonizante Watanabe, este Manuel Cabral japonés suelta algunas frases como: “Striptease. Esto es lo que yo llamo arte. No, es más que el arte. Es más directo”. Sin embargo estos placeres carnales no alivian la pena de Watanabe y es ahí cuando se da el segundo encuentro que es con la empleada más joven de su despacho. Esta es una joven llena de vida con la cual se obsesiona el personaje y es de esa relación que finalmente surge la respuesta a cómo es que Watanabe va a aprovechar sus últimos días.

La última parte de la película es en el velorio del protagonista. Allí se reúnen sus pocos familiares y gente de su oficina incluidos sus superiores como el alcalde. Durante algo más de media hora se dedican a resumir lo que hizo el difunto en sus últimos días y a indagar el por qué se dio ese repentino cambio, del cual ninguno sabía las verdaderas razones. Todos vinieron a preguntarse por la vida del viejo cuando ya estaba muerto.

Según Akira Kurosawa, una verdadera buena película es interesante y fácil de entender. Eso es IKIRU. Como bien lo sabe el fantasma, definitivamente no hay que temerle a la muerte sino a no vivir. La traducción al español de IKIRU es justamente VIVIR. Termino este comentario con un fragmaneto de La Muerte de Iván Ilich cuyo protagonista se da cuenta de lo insulso de su vida en el momento en que va morir, tal y como Watanabe:

“Es cierto, nada fue como debía, se dijo, pero no importa. Aún puedo hacerlo. Pero…. ¿hacer qué?”